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Vergiftete Wahrheit – film-Bescherung.

Hallo zusammen und willkommen zu einem neuen Artikel in meinem Blog. Im Vergleich zum letzten Artikel, der vor einigen Wochen über die bibliothekarische Veröffentlichung des Augenblicks und des Monats Mai “Die Tribute von Panem X: Das Lied von Vogel und Schlange.” veröffentlicht wurde, werden wir heute wieder über eine Filmkritik sprechen, insbesondere über den Film “Vergiftete Wahrheit” von 2019 unter der Regie von Todd Haynes und seine absurde wahre Geschichte aus chemischer Verschmutzung, Vertuschungen, Fassentleerung und vielem mehr.

Ich wünsche Ihnen viel Spaß bei der Lektüre dieses Artikels.

Gehen wir zu der Artikel!



Handlung:

Robert Bilott ist ein Unternehmensanwalt aus Cincinnati, der sich auf die Verteidigung von Chemieunternehmen spezialisiert hat. Der Landwirt Wilbur Tennant, ein Bekannter von Roberts Großmutter, bittet Robert, einen anomalen Ausbruch von Krebs und Missbildungen bei seinen Kühen in Parkersburg, West Virginia, zu untersuchen. Tennant bringt dieses Phänomen mit dem Chemieunternehmen DuPont in Verbindung und übergibt Robert einen großen Container mit Videobändern.

Robert besucht die Farm von Tennant und entdeckt, dass 190 Rinder an ungewöhnlichen Krankheiten wie geschwollenen Organen, geschwärzten Zähnen und Tumoren gestorben sind. Der Anwalt von DuPont, Phil Donnelly, sagt ihm, dass er sich des Falls nicht bewusst sei, aber auf jede erdenkliche Weise helfen wolle. Robert reicht eine kleine Klage ein, damit er durch die rechtliche Aufdeckung der auf dem Gelände abgeladenen Chemikalien Informationen erhält. Als er in dem Bericht der EPA (United States Environmental Protection Agency) nichts Nützliches findet, wird ihm klar, dass die Chemikalien möglicherweise nicht von der EPA reguliert werden.

Robert konfrontiert Phil bei einem Branchentreffen und provoziert eine lebhafte Konfrontation. DuPont schickt Robert Hunderte von Kisten, in der Hoffnung, die Beweise zu vergraben. Robert findet zahlreiche Hinweise auf PFOA, eine Chemikalie, die in keinem medizinischen Text erwähnt wird. Mitten in der Nacht findet Roberts schwangere Frau Sarah ihn, wie er den Teppich vom Boden reißt und ihre Bettpfannen durchwühlt. Sie entdeckte, dass PFOA Perfluoroctansäure ist, die zur Herstellung von Teflon verwendet und in amerikanischen Haushalten für antihaftbeschichtetes Kochgeschirr verwendet wird. DuPont hat die Wirkung von PFOA jahrzehntelang getestet und festgestellt, dass es Krebs und Geburtsfehler verursacht, aber die Ergebnisse nie veröffentlicht. Sie kippten Hunderte von Fässern mit giftigem Schlamm stromaufwärts des Flusses von Tennants Farm. PFOA und ähnliche Verbindungen sind Chemikalien, die den Blutkreislauf nicht verlassen und sich langsam anreichern.

Tennant wurde aus der Gemeinde ausgeschlossen, weil er seinen größten Arbeitgeber verklagt hat. Robert ermutigt ihn, den DuPont-Vergleich zu akzeptieren, aber Tennant weigert sich und will Gerechtigkeit und enthüllt, dass er und seine Frau beide Krebse haben. Robert schickt DuPont Beweise unter anderem an die EPA und das Justizministerium. Die EPA verhängt gegen DuPont eine Geldstrafe von 16,5 Millionen Dollar.

Robert ist jedoch nicht zufrieden und ist sich bewusst, dass die Menschen in Parkersburg für den Rest ihres Lebens unter den Auswirkungen der PFOA leiden werden. Er strebt eine medizinische Überwachung für alle Einwohner von Parkersburg durch eine große Sammelklage an. DuPont sendet jedoch ein Schreiben, um die Anwohner darüber zu informieren, dass die PFOA vorhanden ist, und leitet damit die Verschreibung ein und gibt ihnen nur einen Monat Zeit, um mit weiteren Maßnahmen zu beginnen. Da das PFOA nicht reguliert ist, argumentiert Roberts Team, dass das Unternehmen verantwortlich ist, weil die Menge im Wasser größer war als der einzelne Teil pro Milliarde, der nach den internen Dokumenten von DuPont als sicher gilt. Vor Gericht argumentiert DuPont, dass laut einer späteren Studie die Sicherheitsschwelle bei 150 Teilen pro Milliarde liegt. Die örtliche Bevölkerung protestiert und die Geschichte wird zu einer nationalen Nachricht. DuPont erklärt sich bereit, sich mit 70 Millionen Dollar zu begnügen. Da DuPont nur dann zur medizinischen Überwachung verpflichtet ist, wenn Wissenschaftler nachweisen, dass PFOA die Störungen verursacht, wird eine unabhängige wissenschaftliche Bewertung erstellt. Um die notwendigen Daten zu erhalten, teilt Robert den Einheimischen mit, dass er das Entschädigungsgeld nach einer Blutspende erhalten kann. Fast 70.000 Menschen spenden für die Studie.

Seit der Überprüfung sind sieben Jahre vergangen, ohne dass irgendwelche Ergebnisse erzielt wurden. Tennant stirbt und Robert verarmt infolge mehrerer Gehaltskürzungen, was seine Ehe belastet. Als Tom ihm eine weitere Gehaltskürzung mitteilt, bricht Robert zitternd zusammen. Die Ärzte sagen Sarah, dass er an einer durch Stress verursachten Ischämie litt. Sarah sagt Tom, er solle aufhören, Robert das Gefühl zu geben, ein Versager zu sein, weil er etwas für Menschen tut, die Hilfe brauchen. Die wissenschaftliche Beurteilung kontaktiert Robert und teilt ihm mit, dass PFOA mehrere Krebsarten und andere Krankheiten verursacht. Beim Abendessen mit seiner Familie wird Robert darüber informiert, dass DuPont die gesamte Vereinbarung nicht einhalten wird. Robert beschließt, den Fall eines jeden Angeklagten nacheinander bei DuPont vorzutragen. Er gewinnt den ersten drei Multimillionen-Dollar-Vergleich gegen DuPont, mit dem die Sammelklage über 671 Millionen Dollar beigelegt wird.



Persönliche Meinung:

Vergiftete Wahrheit ist ein Film aus dem Jahr 2019 von Todd Haynes, Drehbuchautor Mario Correa und Matthew Michael Carnahan, mit Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Victor Garber, Mare Winningham, William Jackson Harper und Bill Pullman in den Hauptrollen. Der Film basiert auf einem Artikel des New York Times Magazine von 2016 mit dem Titel „The Lawyer Who Became DuPont’s Worst Nightmare“ („Der Anwalt, der zu DuPont schlimmstem Alptraum wurde“), der von Nathaniel Rich über den Parkersburger Wasserverschmutzungsskandal geschrieben wurde. Darüber hinaus schrieb der echte Robert Bilott auch eine Memoiren mit dem Titel „Exposure“, in der er seinen 20-jährigen Rechtsstreit gegen DuPont detailliert beschreibt.

Die Metapher der Herausforderung zwischen David und dem Riesen Goliath wurde schon immer verwendet, um Parallelen zu den persönlichen Heldentaten der beteiligten Personen zu ziehen, die oft gezwungen sind, sich Feinden oder Fallen zu stellen, die viel größer sind als sie selbst. Und in diesem Fall stehen wir vor einem ungleichen Kampf, der, wie sich später im schockierenden Schlusspostulat herausstellen wird, uns alle eng betrifft.

So wie es in Italien mit der Bearbeitung des Titels des betreffenden Films geschah, machte die Bearbeitung auch in Deutschland den traumatischen und dramatischen Teil des Films und den Titel in der Originalsprache. Auch, weil sich der ursprüngliche Titel “Dark Waters”, oder “schlechte Gewässer” auf die schmutzigen Gewässer der amerikanischen Chemieindustrie bezieht, in denen Rob sich „gegen alles und jeden“ befindet. Im Englischen bedeutet „Dark Waters“ mehrere Dinge: dunkle Gewässer, geheimnisvolle Gewässer, Gewässer, die etwas verbergen, aber es wird auch sehr oft “schmutziges Wasser” gesagt, Brackwasser, also auch etwas über Abwasser. Persönlich sagt mir der deutsche Titel, den ich dem Film gegeben habe, nichts, er gibt mir nicht dieses Gefühl von Drama und Traumatisierung.

Der Regisseur des Films ist Todd Haynes, – dasselbe wie in “Velvet Goldmine” (1998), “Carol” (2015), “Ich bin nicht hier”… (2007) [gespielt von sechs verschiedenen Schauspielern, die verschiedene Momente des Nobelpreisträgers spielen]. -, und ich glaube, man kann seine Berührung im Film erkennen, denn seine Filme sehen aus, als kämen sie gerade aus einem Hopper-Gemälde, sie reden viel über “Amerikanismus”, wenn man genau hinschaut. Sehr oft lässt der Regisseur in seinen Filmen viel Raum für die Introspektion der Charaktere, auch wenn es keine spezifischen Dialoge gibt, und sehr oft sehen wir diese Atmosphären, die typisch amerikanisch, fast menschenleer und gleichzeitig ein wenig retro sind.

Der Film hat natürlich eine interessante Geschichte, aber meiner Meinung nach ist einer der interessantesten Filmschnitte, die dem Film gegeben wurden, der “Schnitt”. Der Film könnte sehr wohl einen dramatischen Schnitt haben, ein bisschen historisch, ein bisschen stereotyp, stattdessen hat dieser Film meiner Meinung nach einen sehr verstörenden Schnitt. Die Hauptfigur des Films, gespielt von Mark Raffalo, der auch der Produzent des Films ist, macht eine beängstigende Reise, denn indem er diesen Fall annimmt, fordert er die ganze Stadt heraus, aus der er kommt, die ganze Stadt, die kurz gesagt ihre Arbeit und ihren Lebensunterhalt auf eben dieser Firma DuPont gründet, die Schulen, Gebäude, Parks geschaffen hat und der ganzen Stadt Arbeit gibt. Robert riskiert alles: Arbeit, Geld, Persönliches und Familie. Die Arbeit nimmt ihm viel Zeit weg, die er leider auch seiner Familie nimmt. Darüber hinaus gelingt es dem Film meiner Meinung nach, einen sehr beunruhigenden Aspekt zu behandeln, der in diesen Geschichten selten thematisiert wird, nämlich den psychologischen Druck, den die Figur erfährt. Wir sehen es sehr gut an Roberts Charakter, dass die Entscheidung, ein so großes Unternehmen zu verklagen, bedeutet, dass man im Falle eines Verlustes wirtschaftlich alles verlieren kann, was man hat, dass man immensen wirtschaftlichen Schadenersatz zahlen muss und dass man auch für einen Machtunterschied aufkommen muss. Sehr oft sagen wir in Filmen wie diesem, dass sie diese Sorgen “minimieren” und die Figur als “ein Held ohne Flecken und ohne Angst” darstellen, bereit für alles, sicher, stark und vieles mehr; während es viel besser ist, einen Helden darzustellen, sagen wir, wie Robert: ein Held mit all seinen Ängsten, seinen Zerbrechlichkeiten;

Der Film gibt dem emotionalen Aspekt, den eine solche Reise auf die Psychologie eines Menschen, auf seine Emotionalität hat, den richtigen Raum. Robert ist buchstäblich überwältigt von einem Gefühl der Hilflosigkeit, das er anderen Menschen gegenüber empfindet, weil er ihr Leben nicht retten kann, aber auch in gewisser Weise von einem Gefühl des Verrats: Er lebte in dieser Stadt, er glaubte, dass alles ruhig war und es ihm gut ging. Robert widmete seine gesamte Karriere, seine gesamte berufliche Laufbahn der Wahrung der Interessen von Unternehmen wie DuPont, während Tim’s tatsächlich das Leben vieler Menschen, einschließlich seines eigenen, riskieren konnte.

Wir sehen vor allem den Stress, der in gewisser Weise fast zur Paranoia führt; es gibt eine Szene, vor allem auf dem Parkplatz, in der wir tatsächlich Roberts psychologischen Zusammenbruch sehen, was Sinn macht, denn wenn ein Unternehmen bereit ist, die Gewässer zu verschmutzen, tötet es dann wirklich jemanden, der einen Schritt zu weit von der Norm entfernt ist?

Ich habe den verstörenden Schnitt des Films sehr geschätzt, denn genau das ist das Thema. Darüber hinaus hat der Film meiner Meinung nach einen sehr ansprechenden Bogen für das amerikanische Publikum: Er spricht von einer Rückkehr zu den Ursprüngen für Roberts Figur, d.h. er spricht von der Rückkehr in die Stadt, in der er geboren und aufgewachsen ist; er geht auch zurück zu den Ursprüngen, weit weg von diesen Anwaltsgebäuden, Lobbys und kehrt sozusagen “nahe” zu den Menschen zurück. Die Vereinigten Staaten haben diese ganz besondere Vorstellung: Einerseits den amerikanischen Traum, und zwar sowohl den amerikanischen als auch den, die neue Lobby, die die Welt erobern wird, in ihrer Garage wachsen zu lassen; aber gleichzeitig erkennen sie an, dass dies der entgegengesetzte Weg ist. Der Film spricht meiner Meinung nach über viele andere Dinge, er versucht, nicht zu sehr in Klischees zu verfallen, er spricht über reale Themen in den Vereinigten Staaten, wie Diskriminierung, weil man aus einem bestimmten Staat kommt, ein bisschen wie bei uns Italienern, die diese Diskriminierung gegenüber denen haben, die aus dem Süden kommen, natürlich nicht alle; Robert wird diskriminiert und beschuldigt, ein Mann vom Lande zu sein, weil er aus einem bestimmten Staat kommt und einer bestimmten Wirtschaftsklasse angehört. Wir sehen auch “Klassizismus”: Wir sehen es, wenn Robert mit den anderen Sozialanwälten darüber spricht, ob sie die “Klassensektion” akzeptieren oder nicht. Aber eine der interessantesten Diskriminierungen, die ich in dem Film nicht erwartet hatte, war gerade die Frauenfeindlichkeit. Wir befinden uns in einem Zeitraum, der von den späten 1990er Jahren, also 96-98, bis 2010 reicht. Und was wir in dem Film sehen, ist genau die Diskriminierung von arbeitenden Frauen; da ist zum Beispiel Roberts Frau Sarah, die ebenfalls Anwältin ist. Der Film spielt, wie ich Ihnen sagte, in einer sehr jungen Periode, in den späten 1990er Jahren und in den Jahren 2000-2010, und er erzählt, wie die Karriere von Roberts Frau tatsächlich durch eine Entscheidung blockiert wurde, d.h. die Entscheidung, Mutter zu werden, hat ihre berufliche Karriere unversöhnlich gemacht. Wir sehen es vor allem innerhalb einer Szene: Sarah und Robert sind auf einer Dinnerparty und unterhalten sich mit einem älteren Kollegen über Robert und seine Frau, die in die Rede eintritt und sagt, dass “auch sie Anwältin war und auf dem Gebiet gearbeitet hat, aber sie musste alles arbeiten, als sie eine Familie gründete”, und der Mann antwortet mit “das ist es, was mit Anwälten passiert” – sehr oft, wenn wir über Arbeiten sprechen, die hauptsächlich von männlichen Fachleuten ausgeführt werden, sprechen wir von “Hindernissen”, ebenso wie wenn wir über “Geschlechterkluft” sprechen. (was einige Berufe betrifft), und dies ist nur ein Beispiel, die Tatsache, dass es für Frauen kein Verbot gibt, eine bestimmte Arbeit oder einen bestimmten Beruf auszuüben, sondern dass ihr Privatleben – im Gegensatz zu Männern – kurz gesagt “unvereinbar” mit der Arbeit ist. Auch in dieser Szene gibt es eine Kollegin von Robert, die vor ihrem Chef verbirgt, dass sie schwanger ist, aus Angst, “rausgeschickt” und deshalb gefeuert zu werden. Und natürlich ist dies nicht länger eine Wahl, d.h. die Wahl, den Arbeitsplatz aufzugeben und sich voll und ganz der Familie zu widmen, denn wenn es eine obligatorische Wahl ist, die von anderen getroffen wird, dann ist es überhaupt keine Wahl, sondern einfach eine Diskriminierung.

Ehrlich gesagt, genau aus diesem Grund hätte ich mir die Figur der Anne Hathaway, die Sarah, Robs Frau, spielt, etwas anders vorgestellt (obwohl ich nicht genau weiß, wie die Tatsachen wirklich gelaufen sind und ich nicht näher darauf eingehen könnte), aber ich hätte mir vorgestellt, dass sie Robert mehr Ratschläge gibt, da beide Anwälte mit einer ähnlichen Spezialisierung sind; Stattdessen fällt sein Charakter leider manchmal in die übliche Rolle der “Frau des Helden” (die Frau des Helden, sehr oft in den Filmen ist es diejenige, die, die Frau des Helden, sehr müde ist für das, was er tut, er verändert die Welt, er tut etwas Großartiges, während er dabei ist, Leben zu retten, amortisiert ihn seine Frau und gibt ihm genau dafür die Schuld, weil es Zeit braucht von der Familie, von ihr und so weiter. Wir sehen genau eine solche Szene aus Anne Hathaway (die Sarah im Film): Einerseits verstehe ich innerhalb des Familienklimas ein solches Problem, nämlich die Nicht-Präsenz im Familienleben; andererseits ist es ein filmisches Klischee, in dem sehr oft die Frau des Helden, sagen wir, sie sieht aus wie eine jammernde Schlampe, die einem Mann die Schuld gibt, der tatsächlich Geschichte schreibt, Hunderte von Leben rettet. Es ist ein Klischee, wie dies dargestellt wird. Außerdem fand ich es etwas merkwürdig, dass innerhalb des Films die Tatsache, dass sein Charakter fünf Minuten vorher und fünf Minuten später ihn verteidigt und seine Schwertkunst verteidigt. Es ist ein zu plötzlicher Stimmungsumschwung, es fehlt ein Zusammenhang, eine Entwicklung.

Aber zur Vertiefung: Roberts wirkliche Frau, die wirkliche Sarah (da es im Film nicht gesagt wird, wissen Sie es wohl auch nicht, und da es mir lieber gewesen wäre, sie hätten es gesagt), ist in die Welt des Rechts zurückgekehrt, arbeitet ehrenamtlich in einer Vereinigung und ist jetzt Anwältin einer Vereinigung mit dem Namen “Pro Kids”, die eine Vereinigung wäre, die die Rechte von Kindern verteidigt, vor allem die Rechte von Kindern, die Opfer von Schikanen durch Eltern, Vormünder sind. Es ist ein Zufluchtsort für Kinder, die Opfer von Belästigungen sind. Sie begann diesen Weg gleich nach dem Weg ihres Mannes, inspiriert von seinem Wunsch, Dinge zu verändern, und ich weiß nicht, aber ich denke, diese Geschichte zu erzählen, könnte dem Film etwas Interessanteres verleihen, und es tut mir leid, dass es das nicht gibt.

Unter den Statisten im Film kann man auch die wirklichen Personen sehen, die, sagen wir, in dieser kleinen Geschichte, die geschrieben wurde, mitgewirkt haben, und man kann sie am Ende des Films sehen (wie es auch in Das Recht auf Widerspruch geschieht); der Film ist, wie ich Ihnen bereits gesagt habe, meiner Meinung nach sehr schön, sowohl was die Geschichte als auch den verstörenden, sehr guten Mark Raffalo-Schnitt betrifft.

Eines wollte ich jedoch hervorheben: Als ich mich auf die Suche nach Material für diese Rezension begab, wurde mir klar, dass der Film eine Geschichte erzählt, die der von Erin Brockovich sehr ähnlich ist (auf der auch ein Film basiert), und ich fand niemanden, der über “Bad Water” wie die männliche Version von Erin Brockovich sprach, und ich fand es interessant, weil wir zum Beispiel oft sehen, wenn wir über zwei völlig unterschiedliche Charaktere sprechen, selbst wenn es sich um wahre Geschichten handelt, “die weibliche Version von…” zu sagen, und die Tatsache, dass damit “die weibliche Version von…” gemeint ist und niemals umgekehrt, macht meiner Meinung nach Sinn, denn zu sagen “es ist die weibliche Version von…” ist nicht frauenfeindlich oder so etwas, aber meiner Meinung nach kann man dadurch verstehen, wie wir die Dinge vergleichen, und wenn ein bestimmter Vergleich immer in eine Richtung geht und niemals in die andere, dann gibt es vielleicht eine Hierarchie, und wenn es eine Hierarchie gibt, dann gibt es keine Gleichheit. Im Grunde ist es meiner Meinung nach keinem besonders tiefen Gedanken, zu sagen “es ist die weiblich/männliche Version von…”, aber es kann vielleicht nützlich sein, den Schnitt eines Filmprodukts kurz und unmittelbar zu verstehen.

Der Film kann als Legal-Thriller betrachtet werden, dessen zunächst scheinbar ökologischer Hintergrund sich zu einem echten Konflikt zwischen normalen Menschen und einem kranken System entwickelt, in dem Geld und das richtige Wissen bei den meisten Gelegenheiten ausreichen. Eine Art nüchterne und aktualisierte Version eines großen Klassikers wie “All the President’s Men” (1976), die in uns allen jenes bürgerliche Gewissen weckt, das allzu oft von der öffentlichen Meinung vergessen oder verdunkelt wird. Darüber hinaus befasst sich “Bad Water” auch mit anderen Filmen, die dem oben erwähnten ähnlich sind, wie “The Rain Man” (1997) von Coppola, “Insider – Hinter der Wahrheit” (1999) von Michael Mann, “Promised Land” (2013) von Gus Van Sant, sondern blickt weiter zurück auf “Silkwood” (1983) von Mike Nichols und den vergessenen “Klassenkonflikt” (1991) von Michael Apted (Sammelklage), oder als “The Spotlight Case” (2015) und “The Post” (2017), in denen der Einzelne akzeptieren muss, dass das System – schließlich – nichts anderes ist als wir selbst: fehlerhaft und opportunistisch, aber auch in der Lage, eine Linie zu ziehen und “genug” zu sagen.

Und genau in einer noch laufenden Sammelklage (in Bezug auf Apted’s Film) begann 1998 die Untersuchung von Wilbur Tennant, einem Bauern aus Parkersburg in West Virginia, der 2002 an Krebs starb (seine Frau wird ihm zwei Jahre später folgen), der 190 Kühe töten musste, die alle schwer krank waren, und der unwissentlich auch Wasser trank, das mit Pfoa verseucht war, einer chemischen Substanz, die hochgradig gesundheitsschädlich ist, und das DuPont in die Deponie neben seinem Grundstück verschüttete. Die juristischen Untersuchungen, die Robert Bilott mit Hartnäckigkeit und Gefahrenverachtung durchgeführt hat, werden zeigen, dass sich das Unternehmen des Ausmaßes der Vergiftung der Bevölkerung, deren Ansprüche auf Entschädigung bei Tod und Krankheit noch anhängig sind, voll bewusst war. Der Film erstreckt sich, wie wir bereits gesagt haben, über einen Zeitraum von fast 20 Jahren, beginnend mit dieser Denunziation, dem Beginn von Vertuschungen, sehr langen und andauernden Verschiebungen und Gerichtsverfahren, die mit angehaltenem Atem bis zum Epilog dauern, wo im letzten Dank ein informatives Schreiben die erwähnte Enthüllung beleuchtet, bis fast bis zum heutigen Tag.

“Bad Water” war ein vom Aktivistenstar Mark Ruffalo stark gewolltes und entwickeltes Projekt, und seine interpretatorische Hingabe in Bilotts Rolle ist bewundernswert, ebenso wie die Wahl, in kurzen Auftritten einige wirklich involvierte Figuren als Opfer in den Fall einzubringen. Trotz einer linearen Entfaltung mit nur wenigen hochspannenden Sequenzen gibt es eine überwältigende und beunruhigende Spannung im Hintergrund in den zwei Stunden der Betrachtung, die von Regisseur Todd Haynes meisterhaft jongliert wird. Darüber hinaus ist der Film von einem pflichtbewussten erzieherischen Geist beseelt, der jedoch stets das Risiko eingeht, den Wert des Bildes zu überschatten, und der dank des Regisseurs, der die Zwänge des Rechts- und Familiendramas akzeptiert, ohne sich ihnen zu widersetzen, und ihnen in ihrer Einfachheit nachgibt, eine Synthese zwischen ihren Scheinseelen findet. Der Filmemacher organisiert Zeiten und Umgangsformen mit einer raffinierten Ausgewogenheit, indem er den drängenden melodramatischen Schwung (der vor allem in der Familiendynamik des Protagonisten und in der Situation des ersten Anklägers Landwirt betont wird) vollständig mit dem juristischen und investigativen Teil koexistieren lässt, wobei er das Interesse stets hoch hält und das Publikum bei mehreren Gelegenheiten dazu bringt, sich über die von den Mächtigen begangenen Ungerechtigkeiten zu entrüsten.

Viele Zuschauer werden sich fragen, wo der Regisseur von kapitalistischen und subversiven Filmen wie “Carol”, “Ich bin nicht hier” und “Safe” ist, und die Antwort ist, dass er in dieser gefilterten Welt der blauen Korporativität und Ordnung im endlosen Raster der Fenster der Wolkenkratzer von Cincinnati zu finden ist, die die Büros von Taft Law beherbergen.

Wie in der suggestiven Eröffnung des Films, die uns in die 1970er Jahre zurückversetzt, als eine Gruppe von Kindern um Mitternacht bereit war, in einem besonders trüben See zu schwimmen, müssen wir unter die Oberfläche schauen, um bestimmte Horrorfilmreflexionen zu bemerken. Haynes begibt sich auf die Suche nach dem unsichtbaren Gift im Herzen der amerikanischen Familie, der einzigen Institution, die mächtiger ist als der böse Dupont, der ein Imperium auf der Verwendung von Teflon aufgebaut hat, um seine gesundheitlichen Gefahren zu verbergen. Die antihaftbeschichtete Bratpfanne ist das Symbol des Kapitalismus in Verbindung mit dem häuslichen Ideal von Stars and Stripes, zwei nicht weniger untrennbaren Hochburgen als die Kohlenstoffatome, die sich zu PFAS verbinden und für unseren Organismus unangreifbar sind.

Mit “Bad Waters” unterschreibt Todd Haynes einen soliden und dokumentierten investigativen Film, legal sui generis (es gibt schließlich nicht viele Szenen vor Gericht), der vom Protagonisten Mark Ruffalo, nicht überraschend auch als Produzent, stark gewünscht wird: “Bad Waters” ist ein gutes Beispiel für ziviles Kino, das Bitterkeit im Mund hinterlässt und beim Zuschauer zu Recht Zweifel und Paranoia weckt. Der Schauspieler bezieht einige Mitglieder des Teams von “The Spotlight Case” (2015) mit ein, wie den ausführenden Produzenten Jonathan King und die Oscar-gekrönten Drehbuchautoren Tom McCarthy und Josh Singer (letzterer schrieb auch Spielbergs “The Post”). Das Projekt wird aufgesetzt, und dann ist der Regisseur Todd Haynes beteiligt, der nicht nur “seinen” exzellenten Kameramann Edward Lachman mitbringt, der auch Soderberghs “Erin Brockovich” signiert hat, sondern auch ein klares Verständnis des amerikanischen investigativen Kinos. Das Ergebnis ist ein Werk, das für Fans dieses Genres sehr faszinierend ist.

In dem sehr langen ausführlichen Artikel, der bereits Gegenstand eines Films zu sein scheint, wird ein Satz wiederholt und dem Rechtsanwalt Bilott zugeschrieben: “Es schien das Richtige zu sein”. Tatsächlich war er, bevor er die Klage akzeptierte, die ihn zu einem Zusammenstoß mit DuPont führen wird, ein Anwalt, der für Unternehmen arbeitete und unter bestimmten Umständen mit den Anwälten des Chemiekonzerns zusammenarbeitete. Dem Film fehlt nicht eine Szene – ein großer Klassiker in Rechtsdramen – von der Ankunft einer unglaublichen Menge von Fällen mit Dokumenten in der Kanzlei des Anwalts, die den Riesen herausfordern. Eine Szene, die wir, wiederum aus der Geschichte des Journalisten, erfahren, ist tatsächlich passiert.

Die narrative Herausforderung ist nicht immer nachhaltig. Die Hauptschwierigkeit besteht darin, eine überzeugende Erzählung über einen so langen Zeitraum und nach allen wichtigen Wechselfällen der Untersuchung zurückzugeben: Die Wette wird nur zum Teil dank eines Drehbuchs gewonnen, das uns in jedem Augenblick alles, auch die “Formalitäten”, perfekt verstehen lässt, während er ein bisschen (vielleicht sogar mehr als ein bisschen) darum kämpft, an einer Figur festzuhalten, an diesem Bilott, der von Ruffalo gespielt wird, der keine große menschliche Bedeutung hat und im Grunde eine Funktion einer heroischen Geste ist, nämlich die des Trägers der Gerechtigkeit, der die Figur kraft der Botschaft verschlingt. So ist es zum Beispiel schwer, sich wirklich für seine Familienbande zu interessieren, wie zum Beispiel seine Frau, die den Film eher aus “Pflichtgefühl” als alles andere liebt, und seine Rolle ist die klassischste der Ergänzungen der Drehbuchautoren (Mario Correa und Matthew Michael Carnahan), die den vertrauten Moment eines Films einbeziehen, obwohl sie bereits im Artikel des New York Times Magazine erwähnt wird und im Mittelpunkt steht. Genauso wie die Figur von Tom Terp (Tim Robbins), dem Leiter der Anwaltskanzlei, deren Partner Bilott ist, nicht sehr zentral ist. Der Film, der mit den Ratschlägen des echten Billot gemacht wurde, leidet darunter, dass er wahrscheinlich allen an der Geschichte beteiligten Figuren “gerecht werden” muss, indem er ihnen in gewisser Weise huldigt, aber ein wenig überwältigend und weniger scharf ist, als er hätte sein können.

Gleichzeitig gibt es Bilder und Momente, die mehr wert sind als Worte, wie das Kamerawagen über die Bürger von Parkersburg, reale Querschnitte von Menschen/Phantomen, die ihrem eigenen Schicksal (und ihrem Tod) im Namen eines wilden Interesses für Profit überlassen wurden. Vor allem einer ist in der Lage, in wenigen Sekunden die Erpressung zu erkennen, der so viele Menschen ausgesetzt sind, nämlich die Wahl zwischen dem Sterben an giftigen Abwässern und der Umweltverschmutzung oder arbeitslos zu bleiben, verwaist durch die Industrie, die einem Brot gibt (und das ist sicherlich nicht nur ein amerikanisches Problem, man denke nur an Tarent): Haynes macht eine kleine Montage, in der er zeigt, wie in Parkersburg alles von DuPont, Arbeitgeber und Dienstleister, ist. Der Kontrapunkt ist die Szene, in der der Züchter Wilbur Tennant einem Hubschrauber, der sein Haus bewacht, zuruft, dass dies sein Eigentum sei: ein Schrei der Verzweiflung, um eine bereits gewonnene Herausforderung zu besiegeln zwischen denen, die wirklich Macht und Privateigentum (sogar öffentliches Eigentum) besitzen, und dem verzweifelten Bürger, der zwar an den Wert von Eigentum glaubt, in Wirklichkeit aber enteignet wird, was ihm angeblich gehört. In diesen Momenten wird der Film sehr effektiv und schmerzhaft und bringt seinen überzeugend politischen Charakter zum Ausdruck: Keine Regierung (Obama natürlich eingeschlossen) stoppt die Macht des Geldes, keine öffentliche Behörde kontrolliert wirklich große Gruppen, und alle Amerikaner haben das Recht auf Privateigentum, aber einige Amerikaner haben viel mehr Rechte als andere. Wenn auch der Einsatz von John Denvers Hit Take Me Home, Country Roads, der in einem vernarbten West Virginia (im Abspann ist Johnny Cashs I Won’t Back zu hören) platziert ist, so gibt Haynes nicht nach, indem er fast Horror-Elemente (die Erinnerung an die schwarzen Zähne eines kleinen Mädchens auf einem Fahrrad) aufpfropft, um den Zuschauer mit einem starken Gefühl des Unbehagens das Kino verlassen zu lassen. Auch deshalb, weil Pfoa – “die ewige Chemikalie” genannt, da sie für immer im menschlichen Körper verbleibt – seit Jahrzehnten von der chemischen Industrie auf der ganzen Welt verwendet wird (und immer noch in geringen Mengen verwendet wird).



Die Schauspieler:

Mark Ruffalo als Robert Bilott, ein Unternehmensanwalt aus Cincinnati, der sich auf die Verteidigung von Chemieunternehmen spezialisiert hat, der aber bald einen Rechtsstreit gegen den Riesen DuPont beginnt, wenn er die Beweise versteht und mit eigenen Augen sieht;


Anne Hathaway als Sarah Bilott, Billots Frau, eine Anwältin, die ebenfalls “ihren Job kündigen musste, um sich ihrer Familie zu widmen”, sagte jemand;


Tim Robbins als Tom Terp, Roberts Arbeitgeber, der anfängt, ihn in seiner Sache zu unterstützen, ihn aber gleichzeitig auf die Lauer legt und ihn ein wenig behindert, bis zu dem Punkt, an dem er zusammenbricht;


Bill Camp als Wilbur Tennant, der mit Robs Großmutter befreundete Landwirt aus Cincinnati, der den Mann bittet, ihm in seinem Prozess gegen die Industrie zu helfen, indem er Beweise auf Beweisen vorlegt, da er nach dem Tod aller Tiere von allen, auch von DuPont, behindert wird.

Victor Garber als Phil Donnelly, ein leitender Angestellter von DuPont, während Bilott das Unternehmen herausforderte;

Winningham Sea als Darlene Kiger, ein Bewohner von Parkersbug, dessen erster Ehemann ein Chemiker aus DuPont war und in seinem PFOA-Labor arbeitete.

Bill Pullman als Harry Dietzler, ein Unfallanwalt, der mit Bilott bei seiner Sammelklage gegen DuPont zusammengearbeitet hat.

William Jackson Harper als James Ross, ein weiterer Anwalt von Taft Law und Robs Kollege, der bald seinen geben wird, um Rob und seine Klage zu behindern.



Der Soundtrack:

Marcelo Zarvos, renommierter brasilianischer Pianist und Komponist von klassischer und Jazzmusik, wurde mit der Komposition des Soundtracks des Films betraut. In seiner langen und erfolgreichen zwanzigjährigen Karriere hat er nicht nur vier Musikalben veröffentlicht, sondern auch die Soundtracks für einige Filme für die große Leinwand komponiert, wie z.B. „The Door in the Floor – Die Tür der Versuchung“ (2004), „Sin Nombre“ (2009), „New York I Love You“ (2009), „Wonder“ (2017) und „Act of Faith“ (2019) – unter anderem, aber auch einige TV-Akronyme und auch Theatermusik.

Der Soundtrack des Films besteht, wie viele andere Soundtracks, sowohl aus Originalkompositionen als auch aus einigen Songs aus dem Pop-Repertoire der vergangenen Jahrzehnte und enthält Klassiker von John Denver, wie z.B. Take me home, country roads und – es konnte nicht anders sein, da das West Virginia des Liedes die Schlüsselkulisse ist – und Johnny Cash, der sich mit einer melancholischen und ergreifenden Note auf den Kern der Geschichte einstellt.

Für diesen Film zeichnet Zarvos musikalisch Roberts komplexe emotionale Reise von Schock bis Angst, Leid und schließlich Hoffnung nach. Zarvos war auf der Suche nach dieser Spannung mit niedrigem Siedepunkt, nach etwas, das zwischen Emotionen und Spannung angesiedelt ist, da es sich um einen Thriller handelte, außerdem um einen Thriller von Todd Haynes, und so beschloss er – in Zusammenarbeit mit dem Regisseur – direkt an den Rand des Genres zu gehen, auf künstlerische Weise. Angesichts der Tatsache, dass der Film als Ganzes eine epische Geschichte ist, bestand die Herausforderung darin, das Gleichgewicht zwischen dem, was an der Oberfläche liegt, und dem, was direkt darunter liegt, zu finden. Und seine frühere Arbeitserfahrung mit Filmen wie „The Door in the Floor – Die Tür der Versuchung“ und „Sin Nombre“ half ihm zu zeigen, wie man das, was auf der Leinwand nicht sichtbar ist, und tief in die wirklichen Emotionen hineinbringt. Ganz gleich, wie aufregend und gefährlich eine Geschichte auch ist, es gibt immer ein emotionales Element, das es hervorzubringen gilt. In diesem Film gibt es drei emotionale Wendungen, die die Partitur verwandeln: vom ersten Akt, der sehr spannend ist; zum zweiten Akt, in dem es viel mehr um den Rhythmus der juristischen Anfechtung geht; zum dritten Teil, in dem es um die menschlichen Kosten geht, nicht nur um ihn, sondern um die Menschen in der Stadt West Virginia. Seine Herausforderung bestand darin, von einer Zeile zur anderen zu wechseln, wobei es nach der gleichen Partitur klingen sollte.

Die Hälfte des Films besteht aus einem neunminütigen Stück für Klavier solo, das Todd sehr gerne machen wollte. In dem Film stellt Rob schließlich eine wichtige Verbindung her zwischen dem, was DuPont getan hat, und den Auswirkungen auf die Menschen. Und da er (Zarvos) ein Pianist und Komponist ist, war es neu, eine so lange Instrumentalsolostimme zu schreiben. Und es war ihm nicht ganz klar, wie das funktionieren würde. Also führte Todd die Regie, als wäre er ein Schauspieler. Es erinnerte ihn ein wenig an die Komposition des Soundtracks zu „The Door in the Floor – Die Tür der Versuchung“. Er erinnerte sich daran, dass er dachte, ‚er habe Haynes’ Absicht nicht wirklich verstanden”, aber dass er dadurch das bekommen würde, was er wollte.‘

Im ersten Teil des Films erzeugt der Soundtrack dieses beunruhigende Gefühl der Vorahnung und Paranoia, insbesondere in der Szene, in der Rob versucht, sein Auto auf einem leeren Parkplatz zu starten. Diese spezielle Szene auf dem Parkplatz ist vielleicht das beste Beispiel dafür, wie es uns gelungen ist, das Gefühl zu vermitteln, dass man nicht weiß, ob das, was man sieht, real ist oder nicht. Aber anstatt der Gefahr der Szene zu betonen, konzentrierte er die Musik auf das, was Rob durch den Kopf ging. Seine Paranoia ist an seine Emotionen und sein Gefühl, ein Familienmensch zu sein, gebunden. Je mehr die Musik wächst, desto emotionaler wird sie, anstatt nur ein Thriller zu sein. Zuerst sagte Todd: „Jedes Mal, wenn die Musik zu angespannt wird, sollten wir das menschliche Element nicht vergessen.“

Aber wie hat Zardos diesen tiefen, unterdrückten Ton in die Partitur bekommen? Von Anfang an war Todd klar gewesen, dass der Ton stark bearbeitet werden sollte. Abgesehen von diesem langen Klavierstück sind die gesamte Musik, alle Streicher und Instrumente stark bearbeitet. Er wollte nie, dass sich die Musik völlig organisch anfühlt. Viele Stücke haben eine Menge Polster und Elektronik, die sich verdoppelt haben, aber nicht im Sinne einer Erhöhung der Partitur. Die Basis der Partitur ist elektronisch, und die Live-Streicher sind verdoppelt, um sie zu einer dritten Sache zu machen, die weder organisch noch elektronisch ist. Ein großer Teil des Klavierwerks enthält viele Echos, Verzögerungen und ruckartige Klänge, um diese Idee der organischen Beeinflussung durch etwas Chemisches hervorzuheben. Dieses Gefühl, dass etwas Chemisches den Klang der Instrumente korrodiert, wird zu einer auditiven Analogie zu dem, was im Film passiert. Ebenso gibt es eine Menge Schleifen, denn jedes Mal, wenn eine Note in einer Schleife wiederholt wird, wird sie nur ein wenig mehr degeneriert. Sie haben noch den Originalklang, aber mit jeder Wiederholung wird er körniger und schlechter.

Auch wenn ein Großteil des Soundtracks darauf hinweist, dass der Film ein Thriller ist, wie haben Sie die Musik genutzt, um das Publikum an die ökologische Katastrophe zu erinnern, die im Mittelpunkt der Geschichte steht? Musikalisch gesehen war das die Stoßrichtung des letzten Teils des Soundtracks. Das letzte Drittel des Films konzentriert sich immer mehr darauf, die menschlichen Kosten für diese Menschen hervorzuheben. Dadurch wird die Musik des letzten Drittels emotionaler und ich denke, menschlicher. Wir ließen zu, dass die Musik einen wirklich traurigen Ton anschlug. Dieser Ton war im Film von Anfang an dabei, aber im ersten Teil stand er unter dem Deckmantel der Dunkelheit des Thriller-Genres.

Je menschenzentrierter und weniger angespannt die Geschichte wird, desto fluktuierender und weniger angespannt wird die Musik. Im ersten Akt, wenn wir versuchen zu verstehen, was vor sich geht, ist der Ton sehr aufschiebend. Dann hat die Musik eine Art Katz-und-Maus-Atmosphäre im Gerichtsverfahren. Letztendlich geht es weniger darum, wer es getan hat, sondern mehr um die menschlichen Kosten. Die Musik wird langsamer und trauriger. Die Handlung wird viel weniger dissonant und viel elegischer, wenn der Film seinen Abschluss findet.


Liste der Lieder aus dem Pop-Repertoire:

Take Me Home, Country Roads • John Denver (trailer)

Stop the World (And Let Me Off) • Waylon Jennings

Who Can It Be • Thomas Paxton

Suddenly It’s Spring • Stan Getz

The Heart Is a Lonely Hunter • Reba McEntire

The Real Thing • Kenny Loggins

Here I Am, Lord • Daniel Schutte

A Kiss Goodnight • John Barrett

Deck the Halls With Boughs of Holly • Philadelphia Brass Ensemble

Strawberry Wine • Deana Carter

You Are Near • Daniel Schutte

With Arms Wide Open • Creed

I Won’t Back Down • Johnny Cash


Liste der Originalkompositionen:

1. Drive to Parkersburg (1:31)

2. City Montage (1:40)

3. Filing the Suit (1:39)

4. Cow Attack (2:22)

5. Sea of Boxes (1:14)

6. TV Reports (2:04)

7. The Findings (2:40)

8. Helicopter at Wilbur’s (2:21)

9. Teflon Connection (9:29)

10. Memo / EPA Hearing (2:07)

11. Angry Joe (1:58)

12. Leave This Place / Blood Testing (3:20)

13. Funny Teeth (2:11)

14. Still Fighting (0:56)

15. Bucky (2:24)

16. Harry’s Call Center (1:05)

17. Opening Credits (1:50)

18. Meeting Wilbur / PFOA (1:28)

19. DuPont Deposition (3:50)

20. Garage Paranoia (2:26)

21. Rob Brings Report / Wilbur’s Videos (2:19)

22. Dark Waters (2:53)

23. End Credits (3:27)



DAS ENDE.

Ich hoffe, dass diese neue Rezension des Films “Vergiftete Wahrheit ” wenn es Ihnen gefallen hat, und wenn ja, hinterlassen Sie ein “like”, kommentieren Sie und lassen Sie mich wissen, was Sie denken, teilen Sie es mit, wem immer Sie wollen, und abonnieren Sie meinen Blog. Bis zum nächsten Artikel! Auf Wiedersehen.

Pubblicato da Francesco Rao

Francesco, Roma-Rosarno, 23 anni.

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